Isabel Peña

Ya que “tengo que” elegir, voy a rescatar una de las pinturas más recientes que hice sobre muro, porque ya no está. Nunca tuvo título. La hice para una colectiva de pintura en la Alianza Francesa este año. Era una pintura directa -no soy amiga de los bocetos- hecha con acrílico, grafito, crayones, cinta de pintor, acuarela y marcadores. La mixtura técnica tiene que ver con el contenido general de la pintura que hago. Mas allá de los motivos particulares (signos y registros diversos), lo que está en juego es la pintura como un campo de tensión, donde conviven experiencias diferentes que se van reciclando en función de la totalidad. Me interné a trabajar in situ los 3 días previos a la inauguración. Como me tocó una pared entre 2 pasillos muy fuertes (por las que pasaba gente constantemente), me expandí bastante velozmente en el muro planteando una franja vertical de 1 x 3 metros de altura. Al día y medio de estar haciéndola llegó el momento del montaje (algo condicionado por no poder mover mi pintura). Con la presencia de las obras de los demás, se me complicó ver y terminar esta obra en el nuevo contexto, por el vértigo con el que la venía haciendo. Tuve que adaptarme en muy poco tiempo, considerando su visibilidad y la de la totalidad de la muestra. Finalmente quedaron zonas en las que me corría o salía un poco del límite rectangular que había planteado. También había algunas partes más acabadas que otras, y zonas muy atiborradas junto a un espacio casi vacío en el centro. Esa especie de silencio -a la altura del espectador- era atravesado y desbordado por una rana y una víbora- hechas de cinta de pintor frottageada. Esos detalles me hicieron bastante feliz. Aunque no es lo más relevante, mi obra está llena de bichos -entre otras representaciones- y me dan ganas de ir haciendo un bestiario interminable. Me atrae que cada fragmento o parte sea diferente, que se transforme en relación a la materia y contexto en el que está hecho. Simultáneamente intento que convivan en cada trabajo. De todos modos, la idea de acabado y unidad de los fragmentos, cuando en realidad lo que hago es reciclar constantemente formas abiertas, es un simulacro, un intento de atrapar temporalidades singulares -y por ende irreductibles- a una imagen. Si algún día examinan mis pinturas actuales con rayos x (¡ojalá!) se van a encontrar con que en las capas de abajo hay una cantidad tragicómica de posibilidades diferentes cada vez. Igual, hay algo de los palimpsestos y sus distintas capas que queda retenido ah. En este caso el registro de lo procesual (que siempre incluye rastros de la duda y el error) es bastante fuerte porque incorporé muchas de las dudas, accidentes y contramarchas que fueron sucediendo. El último día reciclé (con cinta de pintor) un título verde del diario Olé que encontré esa mañana: “No sé. Y punto”. Me gusta mucho ese tipo de hallazgos y situaciones. Profeso una profunda fe en esa forma de devenir, conectar y decidir. Y acá me adelanto a la siguiente pregunta. Recibí comentarios de gente de diferentes ámbitos que se involucraba en el proceso de esta pintura al percatarse de detalles transformados como manchas de enduido o el agujero de un clavo anterior en la pared, (‘soluciones’ criollas). Por otro lado, que el trabajo fuera efímero le abría preguntas a algunos espectadores. ¿Pero quién no pinto alguna vez sobre la pared? Creo que eso acorta distancias con el público respecto de la especificidad técnica, los formatos y materiales tradicionales-elitistas de la pintura, (de los que no prescindo por otro lado, ni pienso hacerlo). En resumen, me interesa cómo el ser humano construye totalidades, conjuntos de representación, identidades. La imagen de unidad en mi caso suele ser inestable y se da por el reciclaje de experiencias subjetivas diferentes entre sí. Intento que estos conjuntos sean digeribles como una unidad. Me atrae cuando algo de la experiencia directa o primaria (como lanzarse sobre un muro, o las marcas subjetivas) permite intuir o entrever partes del proceso, (no de una manera obvia, pero si abierta). Cuanto más variado el público mejor. No pido más que la sensibilidad de cada espectador, para que tenga alguna experiencia, la suya con la obra.

Internacionales. Está mi top 10 de maestros clásico–modernos obvios: el Greco, Soutine, Van Gogh, Cezanne, Gauguin, Matisse, Picasso, Duchamp, Rothko, y Bacon. Contemporáneos: Gabriel Orozco, Louise Bourgeois, Regina Galindo, Marlene Dumas, Cy Twombly, Anselm Kiefer, Jorge Queiroz, Mona Hatoum, Albert Oehlen, Maider López, Louise Lawler, Vera Lutter, Chen Shaofeng, Runa Islam. De los “nuestros”: Del Prete, Berni, Batlle Planas, Silvina Ocampo, De la Vega, Alberto Greco, Grippo y Bony. Y los contemporáneos: Noé, De Sagastizábal, Macchi, Ferrari, Burgos, Schvartz, Jitrik, Siquier, Iuso, Bianchedi, Pombo, Benedit, Kuitca, Masvernat, Larrambebere, Da Rin, Lucrecia Martel y Gabriel Baggio.

La Retrospectiva de Grippo en el Malba. La curaduría didáctica que hizo Pacheco del conjunto. La lucidez espiritual-poética de Vida-Muerte-Resurrección y su alusión a la pintura. Su Ellos cantan mientras hacen las casas de otros, la música de las piedras en la máquina hormigonera. También sus Anónimos patético-esperanzados en Benzacar en su momento. La diversidad del humor de los egos maravillosos de Iuso, Sastre, Rothschild y Stuby en el Malba. La sensibilidad inteligente de Porter en su retrospectiva en Recoleta. ¡Qué elegante que es! El ordenamiento poético -y terrible- de Macchi, en Música incidental, y Las Lágrimas asesinas -y malditas- de Rothschild ambas en contemporáneo de Benzacar. Y ya que voy haciendo un recorrido, elijo a Inchausti en el Rojas. Lo mejor de Proa: Experiencia 68 y Kiefer. Lo mejor del MAMBA: Zabala, Ferrari, Peralta Ramos y Pierre Sorín.

Lo que más rescato es la necesidad de activismo que hay -me interesa especialmente el anónimo- y el arte relacional, que están dando frutos diversos (en lo social, gremial, callejero, de gestión de intercambios varios, desde lo privado o como sea). Lo que menos me interesa es el elitismo y la competencia destructiva con sus consecuencias: la falta de tolerancia, sensibilidad, inteligencia y sentido del humor. De todas maneras, creo que lo que se puede percibir como artista en este contexto es demasiado híbrido, subjetivo y móvil como para registrarlo con claridad. Sinceramente, me excede generar un simulacro interesante respecto de esta pregunta con palabras, prefiero intentarlo pintando.