Pablo Ziccarello: visión del arte

1. Elija una obra que lo/la represente, descríbala haciendo referencia a su formato y materialidad, su relación con el tiempo y el espacio, su estilo y su temática; detalle su proceso de producción
Locus solus: En su versión fotográfica consiste en una serie de 20 fotografías tomadas en película de negativo color 110 y copiadas por contacto, lo que resulta son imágenes fotográficas de 12 milímetros x 16 milímetros cada una, el motivo de la imagen es la luz en el bosque (en diferentes tipos de bosques).
Su instalación en el espacio de exhibición tiende a la imperceptibilidad de la imagen, dejando al descubierto la estructura arquitectónica, soporte y parte de la obra.
Cada una de las fotografías han sido montadas sobre aluminio y fijadas bajo vidrio de 2 milímetros acentuando su cualidad de objeto fotográfico, las fotografías deben fijarse a la pared a la altura de un observador promedio (1,70 metros aprox.), a no menos de 1 metro de distancia entre una y otra.
La versión fílmica de locus solus fue realizada en formato super8 b/n y editada digitalmente. La luz en un bosque es lo que ocurre durante 4 horas capturadas en menos de 3 minutos de película.
Lo que motivó esta serie era plantear preguntas acerca del proyecto de representación del mundo en manos del dispositivo fotográfico, el problema de la escala (humana) en relación a la percepción, espacio arquitectónico conteniendo una idea de espacio no arquitectónico (bosque) y el formato fotográfico como herramienta de sentido.
A raíz de viajes realizados por motivos ajenos a la obra, la serie de fotografías fue completada al cabo unos años en 2004 y exhibida por primera vez en 2005.
2. En líneas generales, ¿cuál sería la forma en que sugeriría leer su obra?
En relación a las anteriores, cada obra o serie de obra esta conectada con la precedente de manera significativa, y si bien pienso que el acercamiento a cualquier obra artística ha de ser no-predeterminada, el hilo conductor entre las obras permite seguir -de una forma u otra- las decisiones tomadas a lo largo del tiempo y la producción. Más allá del gusto, esta es una manera posible de leer una obra.
3. En relación a su obra y su posición en el campo artístico nacional e internacional, ¿en qué tradición se reconoce? ¿Cuáles serían sus referentes contemporáneos? ¿Qué artistas le interesan de las generaciones anteriores y posteriores?
La tradición occidental.
Mis referentes son literarios, cinematográficos, teóricos, musicales, etc. Algunos nombres: John Zorn, Nicolás Varchausky, de Rijke / de Rooij, Andrei Tarkovsky, Bill Viola, Cesare Pavese, Fernando Pessoa, Antonio di Benedetto, etc.
Artistas que me interesan: Esteban Pastorino, Ernesto Ballesteros, Pablo Siquier, Claudia Fontes, Diana Aisenberg (etc) y toda la generación posterior de artistas contemporáneos argentinos.
4. Pensando en los últimos diez o quince años elija obras o muestras a su criterio fuertemente significativas de otros artistas de Argentina y explique por qué.
Julio Grinblatt en el ICI a fines de los ’90, fue una muestra de fotografía de pasillos de hoteles, las copias b/n eran de formato pequeño, sin enmarcar, contundentes por lo perfectas. Me impactó el gesto generoso de brindar una imagen fotográfica sin ninguna interferencia ni protección, y el texto del catálogo que era la descripción del proceso químico de revelado (tiempos, marcas, etc. Al detalle) como diciendo ‘ud también podría haberlo hecho’.
'Phoyoplay’ obra fotográfica del Chase Manhattan Collection en el Museo Nacional de Bellas Artes, también a fines de los ’90. Ahí de sorpresa pude ver en directo por primera vez y todo junto obras de James Welling, Andrés Serrano, Barbara Krueger, Sophie Calle, Sherrie Levine, Chuck Close, Bernd and Hilla Becher, Thomas Ruff, Andreads Gurky, Alfredo Jaar, etc. etc. etc.
Esta muestra fue fundamental para mi formación.
5. ¿Cuáles son los agrupamientos o tendencias que percibe en el arte argentino de los últimos diez o quince años a partir de elementos comunes?
(Prefiero el término agrupamiento al de tendencia)
Está claro que la necesidad hace a la unión; y ésta hace a la fuerza, a la concentración de objetivos, y a la concreción de proyectos. Esto bien se verifica en la poca documentación de la gran cantidad de artistas agrupados bajos distintos nombres en distintas regiones del país que desde mediados de la década de 1990 han puesto en práctica diversas ideas y modos de entender el arte.
El tipo de elemento en común en este tipo de agrupamientos es el de la amistad como motor primero, que garantiza una cohesión de ideas más allá de las diferenciaciones en la producción de cada uno de sus integrantes (a excepción de los colectivos que producen una obra en conjunto, donde la producción es evidencia del lazo afectivo) y cierto grado de conciencia en la idea de que nadie va a hacer por la propia obra más de lo que haga uno mismo.